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  • 当艺术大师邂逅设计会擦出什么样的火花?
  • 日期:2018-08-07   点击:   作者:admin   来源:未知   字体:[ ]

  或许你熟悉毕加索、达利、马蒂斯等艺术大师的画作,但你未必了解他们在服装、珠宝、建筑等方面的设计才能及其背后的故事,有的受爱人影响,有的是一场艺术实验……那么,当艺术大师邂逅设计,会擦出什么样的火花?

  从画家到雕塑家,到潮人再到电影制作人,萨尔瓦多·达利确实是一个具有多方面天赋的人。达利设计的珠宝延续了他那古怪哲学和狂野地创造力,达利的珠宝是其雕塑绘画作品中超现实精神的延伸,粗犷与精致、荒诞与严肃、戏谑与沉痛的微妙混合。

  我的艺术涵盖物理学、数学、建筑学、核科学、精神病学,还有珠宝,所以,我的画只是其中的一部分而已,而我做珠宝的出发点是--抗议那些强调材料价值的平庸的珠宝。我的目标是要让珠宝商们看看--珠宝中设计和工艺的价值高于宝石黄金这些材质的价值。

  达利对于珠宝的热爱,很大程度来自于他对于爱人加拉(Gala)的狂热。达利24岁时爱上了大他10岁且已有丈夫的加拉,同时宣布加入超现实主义画家阵营,为此激怒了他身为公证员的父亲,他宣布取消达利的继承权。达利也毫不示弱,回赠一袋精液给他父亲,以示两不相欠。

  在他看来,只有最奇异的想法才能配得上他最爱的女人。他曾经为加拉设计了一枚心形胸针,黄金质地的心形底座上镶嵌着红宝石,象征着血液和血管。令人震惊的是,这枚胸针竟然会随着她每一个脚步而跳动,如同一颗真正跳动的金属心脏!每天早晨醒来,我都在体验一次极度的快乐,那就是成为达利的快乐!这就是达利。

  达利在创作珠宝作品时,很在意珠宝的材质,会亲自挑选黄金、铂金、宝石、珍珠等昂贵材料,他思考每种材料的内涵和象征意义,打造出心,嘴唇,眼睛,植物、动物,宗教神话符号,赋予其以拟人化的独特形式。

  达利最著名的时间之眼,以红蓝宝石和白金镶钻石打造,渐变的湛蓝眼珠是最具达利精神的表盘,眼角垂下一颗硕大的时间之泪。达利曾戴着镶时间之眼的眼罩,拍下了那张著名的独眼照。而达利的代表作《记忆的永恒》中融化的表,也幻化成他的胸针设计。该胸针由黄金和白金、钻石镶嵌而成,充满奇异的风情。

  达利创作于1953年的空间里的大象,在大象背上驮着的水晶塔中,也藏着达利那款融化的表。而诸如红宝石嘴唇和珍珠牙、电话耳环,也是达利著名的珠宝作品。

  夏帕瑞丽出生于意大利罗马一个文化氛围浓郁的富裕家庭,早年曾在欧洲各国、美国及突尼斯游历,20世纪20年代在法国巴黎开始了她的服装事业,这位具有良好艺术素养和审美趣味的女士,一直保持着与艺术家们的广泛交流,其中人们熟知的超现实主义画家萨尔瓦多达利、让谷克多、贾科梅蒂都与其有过合作。

  1932 年达利在旅行的路上,无意间将妻子Gala的凉鞋放到头上,五年后,这一想法就被应用到艾尔萨·夏帕瑞丽的帽子设计中。1937 年,在艾尔萨的设计草稿上,一只鞋跟在上,鞋口向下倒扣的高跟鞋被安置在女性的头顶上,成了名副其实的鞋帽(上图),西方上流社会的礼仪中,帽子是一种礼仪礼貌的体现,不仅受到场和的限制,也受到极严谨的等级规范的制约,至今,欧洲国家的宫廷礼仪中,帽子的作用仍不可小视。而达利和夏帕瑞丽鞋帽的出现引起一片哗然,除了这顶帽子奇怪的造型外,还令人联想到它被佩戴时的景象--一名高贵女士在出席一个正式的社交场所时,头上戴着一顶滑稽的鞋子形状的帽子。

  达利与艾尔萨在时装上的合作始于1936年。当时,达利赠送给Elsa一副素描,上面写着:半挺括套装,饰有抽屉式口袋,仿材链饰,天然橡木抽屉拉手--致 夏帕瑞丽。挚友 Salvador 达利 赠,1936 年。

  1938年,达利向Elsa赠送了一幅女性骨骼的素描,上面写着:亲爱的Elsa,我非常喜欢身外之骨这个说法(......)。他的灵感很可能来自于一部名为骷髅人的马戏团剧目。

  毫无疑问,在夏帕瑞丽与达利众多的合作中,龙虾裙最为瞩目。达利早前的作品中就曾运用过龙虾元素,最具代表性的当属1936年创作的龙虾电线 年,达利为夏帕瑞丽夏季高级定制系列设计了一款礼服,白色蝉翼纱长裙之上饰有手绘龙虾图案,以欧芹枝叶点缀其间,色调搭配鲜亮迷人。相传,达利本想在长裙上涂抹真实的蛋黄酱,但遭到夏帕瑞丽拒绝。

  达利的做法是绘制出珠宝的设计稿,然后交由金匠加工,而亚历山大·考尔德则是自己亲手制作。达利所用的材料包括黄金、红宝石、钻石、祖母绿、珍珠,考尔德则喜用锻铜和白银,有时还用碎玻璃片和捡来的废物,用随手拾来的材料使物品变成珠宝作品,让人随身佩戴。

  亚历山大·考尔德(1898年7月22日-1976年11月11日),今年7月22日正好是考尔德120周年诞辰纪念日,他是一位美国艺术家,雕塑家,出生在一个艺术世家,他的祖父是一位石刻工艺家,父亲是一位雕塑家,母亲则是一位肖像画家。童年时期对艺术的耳濡目染让他具备了非凡的想象力和创造力,5岁的时候,他就开始尝试用木块和铁丝的切割和扭曲塑造出人形,8岁的时候又给姐姐的娃娃设计珠宝手首饰。

  尽管考尔德是一位美国的艺术家,但他的很多作品受到了欧洲艺术的影响。1925年到1933年期间,他迁移到巴黎生活,在巴黎他结识了很多艺术界的朋友,其中包括汉斯·阿尔普、胡安·米罗和马塞尔·杜尚,他们都是当年前卫艺术运动的代表。在美国和法国学习艺术之后,因为他的马戏团而出名。

  亚历山大·考尔德作为动态雕塑的先驱者而闻名。他的动态雕塑由微妙的平衡构成,大部分时候它们被悬挂在空中以移动、旋转,摇晃,来回应观众的触碰或者空气的流动。除了他的移动雕塑,他还创做了一些雕塑来诠释静止,他用钢丝创作了一些形象,宛若是立体空间中的笔触,静止却焕发着活力。

  他的首饰作品的艺术情感表达与他的运动雕塑有直接的关系,兴趣点仍在抽象和运动,首饰作品或许是考尔德艺术实验的一种方式,因为他的雕塑作品大多是金属材料制成,部分作品被放大以后成为公共艺术,有一部分作品通过他再次创作,成为了可佩带的珠宝。当人们戴上考尔德设计的首饰时,耳环或项链随着人的动作而摇摆起来,就像他的动态雕塑受空间影响一样,他的珠宝有了新的生命。

  考尔德一生创作1800余件首饰作品,将大部分艺术作品都给了他的朋友、支持者、参观者和他爱的人。据超现实主义画家斯坦烈·威廉·海海特(Stanley William Hayter)描述,当时应邀参加巴黎艺术活动的嘉宾们常常佩戴着考尔德的首饰作品,开幕式也演变成了胸针、戒指、项链、梳子和耳环的年度秀,是不是考尔德的家人和友人,一看这些首饰就知道了。在美国也是如此,他的首饰被重要的前卫艺术收藏家们收藏,从玛丽··洛克菲勒( Mary Rockefeller)到佩吉·古根海姆(Peggy Guggenheim),他们因为佩戴考尔德的首饰作品而变得非常时尚。然而,考尔德始终把他的首饰作品与商业首饰保持着距离,他的艺术首饰作品也从来没有被大规模的进行商业生产。

  当绘画或是雕塑等单一的艺术形式不再满足艺术家蓬勃而发的奇思妙想时,他们中的许多人会选择将自己的创作延伸至各个领域,除了上面介绍的考尔德的珠宝设计,马蒂斯教堂、罗斯科教堂也是艺术家们一种挑战自我的艺术实验。

  我认为这座小礼拜堂是我一生劳动的最高成就,是巨大、真诚而又艰苦的努力而产生的花朵。我没有选择作品,是命运为这件作品选择了我。遵循我的种种探索,我一直不断地朝着这条道路的终点走去,这座小礼拜堂给我提供了实现理想的可能性,把种种探索连接为一个整体。

  今天或许很多人都不记得它叫罗塞尔教堂,而是把它称作马蒂斯教堂,是马蒂斯为了答谢修女的悉心照顾而精心设计的。这间教堂是马蒂斯送给世人最后的礼物,是他凝聚毕生心血之作。

  1942 年,72 岁的马蒂斯进行了一次肠癌手术,身体虚弱的他要求派一位年轻漂亮的护士来照顾自己。于是,护士莫妮卡便来到了他的身边,是一位退役士兵的女儿,莫妮卡家教严格,父母曾对她说你丑陋而平庸。

  不过,当马蒂斯聘用她时,她感到非常惊讶:我年轻,但是并不漂亮。但就是这位并不漂亮的护士,却因为浓密的秀发、圆圆的脸庞和传神的双眸让马蒂斯着迷。她为他读书、陪他散步、帮他整理巨幅剪纸,莫尼克在马蒂斯的影响下感受到了生命的温暖,我感觉很舒服,我能够自由呼吸,能够放松。她说。

  马蒂斯康复后回到了尼斯,两人后来失去联系。但是战争将他们再次联系到了一起。1943年,德国占领下的尼斯遭受了盟军部队的大规模轰炸,出于安全考虑,马蒂斯搬到了距离尼斯20英里的旺斯居住,偶然间两人又再次相遇,莫妮卡成为一名修女。1947年,莫妮卡请求马蒂斯设计一间位于法国旺斯的小教堂,作为一个生于天主教家庭的无神论者,马蒂斯的设计更倾向于在自然中的搜寻灵感。我认为在自然之美中去祈祷会更棒。 他说。

  1951年6月完工。这正是他在剪纸绘画进行了4年之后,进一步精炼绘画的探索。作品主要有两个部分,一是3幅瓷砖壁画《圣多米尼克》、《圣母与圣子》、《耶稣受难图》;另一部分是彩色玻璃窗。白色瓷砖上以黑色线条勾勒人物,以白为主,白多黑少,很象国画中的简单白描。彩色玻璃窗以群青、深绿、柠檬黄三色玻璃拼镶,表现信仰之树产生了不同但又类似的叶子和花朵。它们把一个宗教场所渲染得明亮、静穆而又神秘。

  对于莫妮卡来说,我开始了4年的痛苦,她感觉到自己被欺侮和非议,因他们经常会单独呆在一起,而修道院里的人和旺斯的人开始悄悄地议论,这个26岁的新信徒和这个老画家之间的友谊,明显有不虔诚的因子在内。当这座教堂在1951年开张时,媒体们热火朝天地散播着这座教堂的设计建造者和他的修女的故事,莫妮卡受不了巨大的舆论压力,搬去了另外一座修道院。在马蒂斯临终的前几年,他们只见过了最后一面。

  马蒂斯(Henri Matisse,1869-1954)与马克斯·罗斯科从未见面,但他们在精神上有两个交集,一是色彩、二是教堂设计。两人都是色彩狂徒,马蒂斯以使用鲜明、大胆的色彩而著名。21岁时的一场意外,令马蒂斯的绘画热情一发不可收拾,偶然的机缘成为他一生的转折点。而20 岁出头的罗斯科在纽约现代艺术博物馆( MoMA )的展厅里,看到了马蒂斯的那幅《红色工作室》,这间几乎整个浸泡在红色颜料之中的小房间震撼了罗斯科。

  罗斯科虽然深受马蒂斯启发,但他们的作品有着本质的区别。马蒂斯对绘画本身(颜色的使用、空间的构成等)抱有浓厚的兴趣,他的作品总是发散出一种轻松愉快。罗斯科也执着于色彩,不过那些抽象的大色块对他而言只是一种表达方式,他对色彩与形式本身毫无兴趣,画家一直强调其色域绘画(color field painting)是表达人的基本情绪:悲剧的、狂喜的、毁灭的...

  罗斯科教堂是马克斯·罗斯科生命最后的礼物,收藏家梅尼尔喜欢罗斯科作品带来的这种精神力量,希望他可以设计建造一个用来冥想的空间,也就是后来的罗斯科教堂( Rothko Chapel )。罗斯科教堂的建了7年,主要是罗斯科与好几位建筑家意见不一致,教堂最终于1971年落成,就在开幕前一年,1970年2月25日,罗斯科在自己于曼哈顿的工作室内割腕自杀了,主要原因是他身患抑郁症,精神敏感,加上生活不顺,身边好友接连去世。

  坐在教堂中,欣赏罗斯科的作品,会让人感觉置身于他所营造的精神空间而不是陈列其作品的现实空间里。这些尺幅巨大的绘画作品色彩朴素、色调暗淡,一种神圣洁而崇高的力量,令人幽然生发出神秘而深沉的情感。有意思的是,由于画家在1960年代后专注于表现不同的黑色,为典型性的罗斯科单色渐变油画,许多参观者会在看到礼拜堂墙上巨大的黑色画作后询问,画在哪里?


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